Arte

«Con el arte planteo preguntas»

Lina Ávila es artista visual. Siempre interesada en el arte, su paso por la Universidad para estudiar Publicidad y su posterior trabajo como diseñadora gráfica, reavivaron su interés en la creación de una obra propia y personal.

Con el collage encontró una manera de crear más libre y espontánea, expandiéndose físicamente entre la mesa y el suelo. Un momento de explosión que, como ella dice, termina en la contención de una pieza.

Su carrera que está tomando fuerza a cada paso y este año su obra ha sido seleccionada para numerosas muestras y publicaciones como Feminismos -comisariada por Natalia Alonso de la Revista ArteInformado-, Festival Mumuar, el libro Primer Párrafo -editado por Piezas Azules, Hybrid Festival o la exposición El Jardín Secreto, un trabajo en colaboración con el fotógrafo Javier Jimeno y que puede verse en la Ünnamed Gallery de Madrid.

Lina Ávila reinterpreta la realidad, reconstruyéndola a base de la combinación de fragmentos de diferentes procedencias de manera elegante e íntima. Conversamos con esta interesante artista que desprende inteligencia y sensibilidad en cada frase.

– ¿Cuándo comenzaste a desarrollar tu obra?

Siempre he sentido un especial interés por la cultura y las artes. De pequeña pintaba al óleo y al carboncillo, sin embargo, terminé abandonándolo durante mucho tiempo. Fue tras mi paso por la Universidad y con la incorporación al mundo laboral cuando este interés volvió con fuerza.

Llegué al collage alejándome de la dinámica del sector publicitario, disciplina en la que me licencié y en la que trabajo desde entonces. Aunque siempre lo he hecho dentro del departamento creativo, los proyectos están muy pautados y tienen que responder a una estrategia con un retorno alineado con los objetivos del cliente.

En el collage busqué una manera de crear más libre y espontánea. Esta técnica es muy accesible y eso me conquistó desde el principio. Necesitas muy poco para ponerte manos a la obra, te permite jugar con la azarosidad y la improvisación, crear a partir de otras realidades y reinventar otras narrativas.

Podría decir que la primera aproximación fue algo terapéutico y transformador. Una de las maravillosas potencialidades que tiene el arte y en la que me gustaría indagar.

«En el collage busqué una manera de crear más libre y espontánea»

– ¿Qué motiva cada trabajo que realizas? 

Mi punto de partida casi siempre son preguntas. Supongo que es deformación profesional. El inicio de cada trabajo es como un brief. Otras veces es como un impulso, una emoción que sucede de repente y trato de trasladar a lo visual.

Sí es cierto que existen dos componentes que aparecen de manera reiterativa: la nostalgia y el relato. Tengo muy presente el paso del tiempo. Los recuerdos forman parte de mi vida y de mi narración. Hay instantes que guardo como si fueran fotografías y conversaciones o anécdotas que rememoro como si fueran cuentos. No exagero si digo que soy la memoria colectiva de mi grupo de amigos. A veces me llaman para que les recuerde fechas o datos (risas).

«Mi punto de partida casi siempre son preguntas»

«Existen dos componentes que aparecen de manera reiterativa: la nostalgia y el relato»

Por eso, suelo trabajar con material antiguo, ya sean imágenes o muestras de papel. Ese material ya cuenta con su propia biografía y es interesante reconstruir y recontextualizar a partir de él. De ahí que por ejemplo, suela recurrir al rasgado del papel. Es como añadir una cicatriz a su historia. Como decía mi abuela, “en una vida hay muchas vidas”.

Por otro lado, me atraen los relatos. Me fascina la posibilidad de crear un nuevo discurso a partir de otros mediante la fragmentación y el azar. Todo lo que percibimos tiene algo que contarnos.

Partiendo de esa base, un proyecto puede estar motivado por una preocupación tan actual como las fake news, como sucede con mi proyecto “Entre líneas”, hasta por una fotografía familiar de un acto cotidiano, como mi pieza “Paseo”.

«Me fascina la posibilidad de crear un nuevo discurso a partir de otros mediante la fragmentación y el azar»

– ¿Cómo es tu lugar y tu momento de trabajo para crear?

En general soy bastante caótica. No puedo crear en un espacio ordenado porque no pienso de manera lineal y necesito tener estímulos a mi alrededor. Es importante para mi que los elementos estén transitando por la zona de trabajo. Además en mi proceso creativo es habitual que deje descansar las obras. Las abandono durante un tiempo para volver a ellas después y mirarlas con otra perspectiva.

«En mi proceso creativo es habitual que deje descansar las obras»

En mi mesa siempre hay mucho papel. No solo como material para la creación, sino cuadernos y hojas donde apunto desde frases a conceptos. También de manera habitual dibujo bocetos con elementos y elaboro esquemas compositivos.

Tiendo a expandirme. Lo normal es que empiece trabajando en la mesa y acabe en el suelo. La creación es como un momento de explosión que termina en la contención de una pieza.

Recopilo mucho material y antes de comenzar una obra, siempre lo reviso. Hago selecciones y las combino, como si fuera un puzzle en el que las piezas tienen que encajar. Incluso teniendo una idea muy clara, puedo encontrar otra pieza que funcione mejor. Esta es la magia del collage, su azarosidad. Me fascina la posibilidad de crear a partir de pedazos de otros objetos e historias y que estos sean la base para contar otras nuevas.

Al igual que antes siempre terminaba las piezas en el ordenador y ahora voy hacia lo analógico. Del mismo modo era habitual que trabajara con música. Ahora cada vez lo hago menos. Al combinar la disciplina publicitaria con la artística, es como si los momentos de creación de esta última fueran un marco de reflexión y atención plena, una especie de meditación.

«La creación es como un momento de explosión que termina en la contención de una pieza»

– Tus collage combinan fotografías antiguas con textos, aunque en tu última serie aparecen sólo textos que sacados de la prensa y tachados, conformando poemas ¿cómo está evolucionando tu obra?

Está muy condicionado por las inquietudes del momento. Estudié Ciencias de la Información, me licencié en Publicidad y Relaciones Públicas y tuve muchas asignaturas comunes a periodismo. Desde que mi paso por la universidad hasta ahora la profesión ha cambiado de manera extraordinaria. Cuando estudié el acceso a Internet era limitado, no consultabas tu mail a diario y las redes sociales no existían. Formo parte de una generación bisagra que ha crecido entre lo analógico y lo digital y eso me ha permitido vivir en los dos mundos y experimentar en primera persona todos las transformaciones que esto ha generado.

Este cambio de paradigma es algo que me ronda desde entonces. El acceso al contenido, ¿es información o infoxicación? ¿una sociedad informada es sinónimo de una sociedad libre? ¿es la notoriedad lo que marca el carácter informativo?. Si cualquier persona puede ser creadora de una noticia, ¿qué lugar ocupa ahora la labor periodística? Si un relato se repite ¿pasa a ser cierto? ¿es noticia solo lo que trasciende?

«Formo parte de una generación bisagra que ha crecido entre lo analógico y lo digital»

«El acceso al contenido, ¿es información o infoxicación? ¿una sociedad informada es sinónimo de una sociedad libre?»

Entre líneas realmente tuvo su origen en la universidad durante un trabajo de campo sobre la codificación de la información. En unas semanas tuve que leer una gran cantidad de noticias donde tenía que ir cuantificando conceptos que integraban un código informativo. Ahí desarrollé lo que llamo “lectura por capas” donde descartaba lo superfluo. Algo que he aplicado a este proyecto y que anteriormente tuvo incluso su vertiente gráfica. Fue la base para desarrollar el cartel de la obra teatral Los hijos de las nubes de Lola Blasco que fue dirigida por Julián Fuertes Reta y habla sobre la causa saharaui, donde jugaba tachando los textos de un documento clasificado.

Es un proyecto que ha tenido mucho recorrido.

Incluso aquí la reflexión sobre el paso del tiempo está presente y el uso del papel está muy estudiado. Quería utilizar un papel rústico con mucha textura y cuerpo que fuera un contrapunto a las pantallas de nuestros dispositivos.

– Hay un fuerte movimiento de artistas de collage en los últimos años, liderado especialmente por mujeres artistas ¿a qué crees que se debe esta corriente?

Afortunadamente así es. Creo que es una reacción más que pretende colocar a la mujer en el lugar que históricamente le ha sido negado. No solo dentro del arte sino de la ingeniería, la ciencia, el deporte,… donde han tenido grandes dificultades de acceso y prácticamente ningún reconocimiento.

Curiosamente el collage es una técnica muy vinculada a lo femenino. Existen y han existido una gran cantidad de collagistas mujeres. Creo que es por su relación directa con el trabajo manual y el entorno doméstico. Además no necesitas hacer una gran inversión para conseguir los recursos necesarios, con lo que lo convierte en una disciplina muy accesible. Sin embargo, si preguntas sobre alguna figura destacada los nombres que prevalecen son hombres: Juan Gris, Richard Hamilton, Max Ernst, Picasso,… Ahora estamos conociendo el trabajo de Varvara Stepánova, Genesis Breyer P-Orridge, Valentina Kulagina, Hannah Höch o Grete Stern.

La visualización no es solo una cuestión de justicia e igualdad, también es una manera de crear nuevos modelos y referentes para las generaciones futuras.

Por eso quiero hacer una mención especial al colectivo Mujeres que cortan y pegan que aglutinan y reconocen el trabajo de mujeres collagistas de todo el mundo. Gracias a su plataforma no solo están dando a conocer el talento femenino en esta área, sino que está generando una poderosa red de sororidad artística.

«El collage es una técnica muy vinculada a lo femenino. Existen y han existido una gran cantidad de collagistas mujeres»

«La visualización no es solo una cuestión de justicia e igualdad, también es una manera de crear nuevos modelos y referentes para las generaciones futuras»

– Has expuesto en lugares tan destacados como Matadero Madrid, Museo Universitario Alicantino, Galería Modus Operandi o La Casa Encendida ¿cómo te sientes cada vez que tu obra es expuesta?

Puede que te rías,… suelo pensar en mis padres. Me digo a ver si con esto ya entienden lo que hace su hija (risas).

Exponer en estos espacios es como la guinda del pastel. Ver tu obra exhibida te da una gran satisfacción. No solo por el reconocimiento que supone que tu obra sea seleccionada para una muestra, sino porque te da más alcance y esto es una oportunidad para compartir tus inquietudes y miradas con otras personas. El día de la inauguración de EAC 2019 en el MUA los artistas que exponíamos tuvimos la ocasión de conversar con las personas que fueron a ver la muestra. El diálogo que se generó ese día fue muy enriquecedor.

Del mismo modo, no lo considero el fin último. La actividad artística se justifica por sí sola en el acto mismo de su realización, de hecho durante mucho tiempo he estado creando sin mostrar. Es algo que necesito hacer que está integrado en mi manera de sentir y vivir.

«Durante mucho tiempo he estado creando sin mostrar»

«La creación es algo que necesito hacer que está integrado en mi manera de sentir y vivir»

– Recientemente tu obra fue seleccionada por la comisaria Natalia Alonso para «La Arteinformada» – sección de la Revista ArteInformado- bajo el tema «Feminismos«, donde tu obra destacó junto a otras 9 artistas, una convocatoria a la que se presentaron más de 80 participantes con un total de 400 obras ¿qué supuso para ti esta selección?

Sorpresa y alegría. Fue algo inesperado. Me pareció una bonita forma de contribuir a poner en valor la figura femenina desde el ámbito doméstico. Participé con la trilogía Memorias, que surge a partir de fotografías encontradas de la Guerra Civil donde solo aparecen mujeres en situaciones cotidianas, pero no por ello menos meritorias, que tienen lugar durante la contienda. En palabras de Virginia Wolf: «Durante millones de años las mujeres han estado sentadas en casa, y ahora las paredes mismas se hallan impregnadas de esta fuerza creadora» (…)

A partir del collage pude extraer a las otras protagonistas de la historia y, por medio de una nueva contextualización convertirlas en agentes activos, dueñas de si mismas: su tiempo, sus relaciones y sus actividades. Así el acercamiento artístico a estas imágenes, ya fotografiadas, nos revelan una nueva representación de nosotras mismas.

El poder de lo colectivo con la primera pieza Ellas, donde pongo en relevancia el grupo como verdadera “red social”, los lugares de convivencia y su capacidad creadora. Abrazo Infinito donde a través de los pares muestro la sororidad como base de las relaciones, que se caracterizan por el apoyo y la complicidad bajo una mirada optimista. Y, por último, Tiempo Infinito una propuesta más reflexiva e intimista, donde ahondo sobre la individualidad femenina y la necesidad de espacios propios donde sentirnos libres y realizadas.

Me gustó especialmente que la muestra abordara la cuestión de género desde la convivencia de disciplinas y estilos diferentes y que pudiera tener la oportunidad de profundizar a través de mi obra, en la significación cultural e histórica de lo femenino y su participación en “lo público” desde lo doméstico y cotidiano.

– Este año también presentaste tu obra en el Festival interdisciplinar Mumuar, Muestra de Mujeres Artistas ¿siguen faltando espacios para las mujeres artistas?

Siguen faltando, hay una desventaja histórica por superar. No hay que dejar de trabajar en ello. Cada nueva iniciativa que se desarrolla es una posibilidad de cambio. También una manera de ampliar la mirada, de crear sinergias y generar relaciones de apoyo.

El trabajo de la primera Edición de MuMuAr fue ingente. Crear un festival donde pudimos participar 65 artistas en 27 eventos distintos con una continuidad de varias semanas es una labor que requiere de un compromiso y una entrega enorme por lo cual estoy muy agradecida.

Esto es un indicador que viene a decirnos que no son las artistas y las iniciativas lo que escasea, sino las oportunidades y los recursos. Es importante tomar conciencia de ello. Que el trabajo de una mujer no sea visible no quiere decir que no exista.

Me siento afortunada por haber participado en la primera edición por partida doble. Con la obra Paseo, pude conocer en primera persona a artistas de trabajan la pintura, la fotografía, la escultura,… La exposición fue un espacio de convivencia de no solo de disciplinas, sino también de trayectorias artísticas de lo más dispares. Gracias a Antifémina pude formar parte de sesión de cortos Miradas de mujer y participar en el coloquio que tuyo lugar después con la psicóloga y experta en igualdad Violeta Valera.

«Siguen faltando mujeres, hay una desventaja histórica por superar. No hay que dejar de trabajar en ello»

«Que el trabajo de una mujer no sea visible no quiere decir que no exista»

– Participas en la publicación del libro Primer Párrafo editado por Piezas Azules, junto a otras collagistas del colectivo Mujeres que cortan y Pegan, un libro que se presentó recientemente en un acto en La Fábrica ¿cómo ha sido el desarrollo de este proyecto?

Primer Párrafo es un regalo. Es uno de los proyectos más bonitos en los que he tenido la suerte de participar y de los que guardo un precioso recuerdo. Con este proyecto pude unir dos mis pasiones: el diseño editorial y el arte.

Se creó una unión muy especial. Aunque cada una de las mujeres que formábamos parte del proyecto trabajamos en la distancia, nunca sentí que estuviéramos lejos. Además el trabajo con la editorial Piezas Azules estaba muy bien organizado por el colectivo Mujeres que cortan y pegan. Fue un gustazo. La articulación del propio proyecto fue como un collage colectivo. Cada artista contaba con un fragmento de la novela a ilustrar sin conocer el resto. Sin embargo, el resultado tiene un identidad conjunta.

El texto me conquistó desde el primer momento. Paloma Mozo Sanjuán relataba mi infancia en una ciudad de extrarradio en el Madrid de los 80. Me sentí profundamente identificada hasta el punto de que el material de trabajo con el que conté para crear los collages fueron mis propios libros escolares. Personalmente considero que la novela tiene un gran valor no solo por tratarse de un libro de memorias de ficción maravillosamente escrito, sino también porque habla de la ciudad desde el punto de vista de los barrios. Ahora que parece que la gentrificación lo invade todo, este testimonio recupera otra manera de vivir la urbe: la convivencia cuando se habla del vecindario y el cuidado en colectivo, el uso del espacio público, el descampado como lugar de juego,…

«Este testimonio recupera otra manera de vivir la urbe: la convivencia cuando se habla del vecindario y el cuidado en colectivo, el uso del espacio público, el descampado como lugar de juego»

También tuve la suerte de conocer a mujeres con iniciativas valientes. Es muy difícil sacar adelante proyectos independientes. La publicación del libro no fue fácil, pero fue posible y eso siempre es muy esperanzador. Poder tenerlo en las manos, ver cada una de las piezas del resto de artistas y leer la historia completa fue la mejor recompensa.

La presentación en La Fábrica permitió que parte del equipo con el que había trabajado los meses anteriores nos pusiéramos cara. Fue muy emocionante.

Repetiría una experiencia así sin dudarlo.

– Tu trabajo también se ha podido ver en una gran muestra de artistas de collage dentro de Hybrid Festival en la Sala Siroco de Madrid ¿cómo fue la muestra y de qué manera estás viviendo este momento en el que tu trabajo está recibiendo tanto reconocimiento?

Este año ha sido increíble. Aún quedan más proyectos que verán la luz a final de año y a primeros del siguiente.

Cuando un jurado, un/a comisario/a o un/a gestor/a cultural selecciona tu trabajo demuestra confianza y valoración de tu obra y trayectoria. Eso siempre es de agradecer. Durante este año he tenido la ocasión de colaborar no solo en exposiciones, sino también en publicaciones y talleres, me gusta la posibilidad de que mi obra pueda traspasar los límites de una muestra y pueda ser objeto de otros ámbitos como el pedagógico, lúdico o terapéutico. El arte es una herramienta poderosa.

La exposición Madrid dentro de Festival Hybrid fue espectacular. Tuvo una buenísima acogida, no afectó la reciente vuelta de vacaciones, ni el día lluvioso, ni siquiera que coincidiera con el arranque del festival y otras actividades del mismo. El aforo se completó y hubo muchas personas que tuvieron que esperar fuera de la Sala Siroco para poder entrar o incluso, no pudieron verla. Se creó una energía muy especial. Encuentros como el de ese día son un aliciente para seguir creando. La posibilidad de que creadora, obra y espectador coexistan siempre me parece interesante. Hybrid también me ha permitido conocer otros espacios, artistas y agentes culturales más allá del centro de la ciudad. Como madrileña de periferia considero que es muy importante descentralizar la cultura.

Si echo la vista atrás, 2019 está siendo trepidante. Aún no he tenido tiempo para hacer balance de manera sosegada. Los proyectos se han ido enlazando sin pausa e incluso solapándose. Ha sido intenso y gratificante a partes iguales. Sin duda un año muy positivo.

«Este año ha sido increíble. Aún quedan más proyectos que verán la luz a final de año y a primeros del siguiente»

– Este 8 de noviembre has inaugurado la muestra El Jardín Secreto junto a Javier Jimeno Mate en la Ünnamed Gallery ¿qué trabajo has desarrollado para esta muestra y cómo dialoga con el de Javier Jimeno Mate?

Hace unas semanas se abrieron las puertas de un nuevo espacio en Madrid, Ünnamed Gallery (C/de los Estudios, 2). Con motivo de la apertura inauguramos una exposición conjunta bajo el nombre El Jardín Secreto.

Javier me invitó a estrenar su espacio y me pareció que la mejor manera de hacerlo era a partir de su obra. Cada pieza de este trabajo forma parte de una serie de fotografías intervenidas en las que Javier aporta su mirada en imágenes a través de la fotografía, mientras que yo me aproximo con la palabra mediante el collage. Así la visión femenina y masculina se integran en estas obras a modo de poema visual para representar la corporeidad de la mujer, mediante la visibilización honesta de su sexo generando una alegoría con el mundo vegetal.

El cuerpo femenino vive bajo la paradoja de un elevado nivel de exposición en el espacio público y, a su vez, sufre la negación del mismo. Especialmente si hablamos de sus órganos genitales al margen de contextos médicos o pornográficos. No es casual que Mithu M. Sanyal lo denomine «el sexo invisible» en su ensayo Vulva, libro que curiosamente estaba leyendo cuando Javier me mostró sus fotografías. Nuestra propuesta surge de esta premisa y se asienta, desde una delicada sencillez, en articular tres ejes cuerpo-mujer-naturaleza, sobre la afirmación de que la belleza reside en la diversidad.

«El cuerpo femenino vive bajo la paradoja de un elevado nivel de exposición en el espacio público y, a su vez, sufre la negación del mismo»

Trabajamos con la dualidad como punto de partida, dos lenguajes plásticos, dos miradas, siendo esta facilitadora del diálogo y encuentro, rompiendo estereotipos y originando espacios de libertad.

En palabras de Natachee Scott Momaday, escritora estadounidense de origen cherokee y Premio Pulitzer de ficción en 1969, “Somos nuestras representaciones. (…). Nuestra misma existencia consiste en las imágenes que nos hacemos de nosotros(a)s mismo(a)s (…). Lo peor que puede sucedernos es que no haya reprentaciones de nosotr(a)s”

Sea este jardín nuestra particular manera de recrear y representar la identidad del cuerpo y sexo de la mujer por medio de la visualización de un órgano exhibido, pero ocultado, tan deseado como censurado.

– Eres Licenciada en Publicidad y de profesión Diseñadora Gráfica desde hace veinte años ¿de qué manera tu trabajo en esta área ha influenciado tu manera de crear collages? ¿o quizás es a la inversa?

Ambas disciplinas se complementan. El diseño es más metódico y ordenado porque, aunque comparte propósitos estéticos con el arte, tiene una finalidad práctica. Al compartir ambas un proceso de creación visual se nutren. Si desarrollas tu carrera como diseñadora gráfica, independiente de que te dediques al arte o no, tienes que estar abierta a cualquier corriente artística y cultural. Empaparte permanentemente de los códigos cinematográficos, la fotográficos, pictóricos,… pienso que forma parte de la responsabilidad profesional educar tu ojo y no acomodarte. Ver pelis, series, leer, escuchar música, ir a expos, al teatro,… En definitiva, observar. Si eres un alma inquieta con una necesidad de aprendizaje constante esto es un estímulo.

«Si desarrollas tu carrera como diseñadora gráfica, independiente de que te dediques al arte o no, tienes que estar abierta a cualquier corriente artística y cultural»

Arte y diseño se alimentan. Si nos centramos en el collage, no es raro encontrar artistas que desempeñan a su vez una carrera dentro del campo del diseño gráfico. Sus diferentes técnicas, analógico, digital, mix media, incluso audiovisual, y su esencia a través de la integración de diferentes elementos, imágenes, textos, tramas, color,… lo convierte en una herramienta fantástica para diseñar, desde una portada para un disco, pasando por un libro, revista,… cartel. Es un recurso inagotable gracias a su versatilidad. Yo misma lo he aplicado al diseño editorial, cartelería, diseño web, branding,… mis primeros collages, por ejemplo, ilustraban poemas para la revista EHDECP (Es hora de embriagarse con poesía), desgraciadamente desaparecida.

El grafismo me empujó al collage. Con el diseño busco respuestas, mientras que con el arte planteo preguntas.

«Con el diseño busco respuestas, mientras que con el arte planteo preguntas»

– ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Arranco el año con una muestra colectiva en el centro de Madrid, de la que todavía no puedo desvelar más detalles.

Por otro lado me gustaría ahondar en la técnica mixta. Es un camino que empecé a transitar hace dos años y que me dio muchas alegrías. Gracias a ella, volví el óleo, experimenté con el acrílico y perdí el miedo a los grandes formatos. Ponerme delante de un lienzo es todo un reto que me obliga a salir de mi zona de confort.

También siento que tengo una asignatura pendiente: la arte terapia, en la cual me gustaría profundizar. Cuando creas con las manos dicen que trabajas los dos hemisferios del cerebro a la vez. Esto te proporciona equilibrio y te hace estar presente en una comunicación contigo misma y con los materiales. Si atendemos a la sociedad en la que vivimos, donde todo sucede muy rápido, construir un marco facilitador de esa comunicación y poner el foco en el proceso más que en el resultado, me parece un acto casi revolucionario. Los procesos artísticos son reveladores y la pieza final dice mucho sobre la persona que la crea. El tiempo que pasas trabajando en una obra es sanador.

Al hilo de esto, a partir del próximo año quiero impartir más cursos y formaciones. Me interesa mucho la actividad artística educativa. También recibo mucho en esos encuentros.

– ¿Cómo te gustaría ver tu trabajo en el futuro?

Una exposición individual es algo a lo que creo que todo artista aspira. Tener la oportunidad de llevarlo a cabo sería maravilloso.

Me gustaría afianzar todo lo construido durante este año y seguir explorando los distintos senderos que facilita el arte: participar en muestras y publicaciones, realizar proyectos conjuntos con otros artistas, talleres, charlas,…

¿He dicho que soy una alma inquieta? (risas).

«Una exposición individual es algo a lo que creo que todo artista aspira. Tener la oportunidad de llevarlo a cabo sería maravilloso.»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Tener mi propio taller con mucho espacio para expandirme y perder la noción del tiempo trabajando en él. Lo imagino con mucha luz natural y plantas. Me gustaría que no fuera solamente un espacio de creación, sino también de reunión, donde organizar actividades y talleres.

Desearía tener más tiempo dedicado a la creación artística. El diseño me permite compatibilizarlo, aún así me gustaría que cada vez más el arte ganara terreno, poder investigar mucho más, perderme en el proceso, dejar reposarlo y, en el caso de desarrollar proyectos de diseño, que fueran trabajos concretos donde la parte visual estuviera muy cuidada. Como decía antes, el diseño editorial es un buen ejemplo en el que querría insistir. No es sólo diseñar una portada, también cuenta la selección del papel, la encuadernación, la maquetación,… Me interesa mucho el diseño aplicado a la cultura.

Y puesta a desear poder tele transportarme. Paso mucho tiempo en el cercanías y en el metro. Aunque soy defensora de este medio de transporte, sufro sus retrasos.

«Me gustaría que cada vez más el arte ganara terreno, poder investigar mucho más, perderme en el proceso, dejar reposarlo»

Más información

Lina Ávila – Collage Republic – Instagram – LinkedIn – Vimeo – YouTube – ArteInformado

El Jardín Secreto

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