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«Me gusta plasmar el Mediterráneo y su luz porque temo perderlo»

Cristina Bosó es una artista que desarrolla su estilo orgánico-abstracto en la huerta valenciana a través de la paleta de color del paisaje mediterráneo que la rodea, con materiales como la arena, la tierra o el algodón. Su formación, en gran parte autodidacta, la lleva a acercarse al arte y más concretamente, a la abstracción matérica, desde una perspectiva fresca y natural.

Creando imágenes que resaltan todas las tonalidades cromáticas y texturas del entorno marino ha producido varias series de obras, principalmente pinturas y una escultura, que buscan reflejar la belleza natural del ecosistema e invitan a pensar. Sorteando cualquier visión reduccionista del paisaje, la artista reivindica de forma intuitiva e intimista el cuidado del medioambiente y la vivacidad de la pintura abstracta contemporánea, con referentes de peso como Antoni Tàpies, Anselm Kiefer y Cristina Iglesias.

Sus obras han encontrado lugar en distintas colecciones del territorio español y francés.

– ¿Cuándo comenzó tu interés en la creación y cómo comenzaste a desarrollarla?

Lo cierto es que mi interés por la creación siempre ha existido. Mis padres a menudo cuentan entre risas que cuando tenía unos tres años la maestra de infantil les llamó preocupada porque todavía no conocía los colores. Ellos hicieron la prueba en casa, señalando distintos objetos y preguntándome por su color, y yo siempre contestaba correctamente. Consternados, mis padres hablaron conmigo y les expliqué que mi maestra combinaba “mal” los colores, que los que ella decía que debía utilizar no quedaban bien juntos. Se ve que yo hacía la tarea con los colores que, según mi criterio, quedaban mejor.
Otro historia que se repite mucho en mi familia es cómo me negué a aprender a leer durante mucho tiempo porque argumentaba que si leía solo obtenía una historia, mientras que si observaba los dibujos podía inventarme historias diferentes y así sacar más cuentos de un mismo libro.
Como ves, mi creatividad no se lo ponía fácil a mis padres…

«me negué a aprender a leer durante mucho tiempo porque argumentaba que si leía solo obtenía una historia, mientras que si observaba los dibujos podía inventarme historias diferentes y así sacar más cuentos de un mismo libro»

«mi creatividad no se lo ponía fácil a mis padres…»

– Dices que después de la pandemia comenzaste a trabajar la abstracción ¿qué cambió en tu forma de crear?

Verás, yo hice un currículum británico y, entre otras asignaturas, cursé Arte durante toda la secundaria.
Siempre fue una de mis asignaturas favoritas, si bien por aquel entonces solo me interesaba el arte figurativo. Amaba hacer retratos a lápiz, pintar paisajes en acrílico o aprender sobre la vida de los grandes maestros del arte. Eso sí, pintar también era un proceso que en ocasiones me frustraba muchísimo porque me resultaba difícil plasmar la idea tan concreta que tenía en mi cabeza.

Con el paso del tiempo, sentí mucha presión y ansiedad y al graduarme del instituto perdí las ganas de dibujar o pintar nada, a pesar de haber sacado buenas notas. Poco a poco lo volví a retomar, pero siempre acababa frustrándome con una obra y dejándolo por largos periodos de tiempo, hasta que probé el arte abstracto en la pandemia.
Comencé expresándome sobre el lienzo sin pensar en nada en particular y sentí como me quedaba absorta en el proceso, era casi como una forma de meditación. Lo disfruté muchísimo, si bien tuve que lidiar con muchos prejuicios internos sobre lo que era o no era arte.

Comencé a mostrar mis obras y explicar mi proceso de creación en mi cuenta de Instagram: @cristinabosostudio, la cual parece haber tenido una buena acogida entre coleccionistas y comisarios.

También, con el paso del tiempo, empecé a añadir más y más texturas al lienzo y ahora puedo decir que estoy creando mi segunda escultura. El arte abstracto y las texturas sin duda me han dado paz mental, seguridad en mí misma e infinitas horas de entretenimiento.

«Siempre acababa frustrándome con una obra y dejándolo por largos periodos de tiempo»

«El arte abstracto y las texturas sin duda me han dado paz mental, seguridad en mí misma e infinitas horas de entretenimiento.»

– El Mediterráneo y su luz son los temas centrales de tu obra ¿qué significan para ti?

Mi proceso creativo me ha llevado hacia la abstracción matérica, interpretando escenas que suceden en el paisaje cercano.
Para mí los colores del mediterráneo son los colores de Valencia. Son parte de la historia de mi familia y de mis apellidos. El paisaje que me rodea en l’horta nord con sus playas, monte y flores silvestres me ayuda a conectar conmigo misma y con mis raíces. El mediterráneo para mí es mi infancia: largos veranos en la playa, siestas con sonido de chicharra, sillas de plástico “a la fresca” o el cine de verano con oronetes (golondrinas) al atardecer…
Supongo que me gusta plasmarlo porque temo perderlo. Muchas de mis obras siempre acaban abocando en lo mismo: los corales, los cuales estamos matando poco a poco por los cambios de temperatura en el mar, la sobrepesca y la contaminación. En general, suelo plasmar bastante la contaminación del agua, como por ejemplo en mi obra Mare Nostrum o en Mal Menor.

Suelo utilizar siempre colores claros, tanto porque intento plasmar nuestra luz, que bien conocía Sorolla, como porque pienso que puede que haya esperanza para nuestro mar.

Para mí es muy importante captar la luz del Mediterráneo porque durante un tiempo no la tuve.

Durante un tiempo viví en Noruega, que si bien tiene paisajes espectaculares, tiene también largos y oscuros inviernos y carece de un mar cálido como el nuestro. Me importa transmitir la luz del Mediterráneo porque cuando viví allí, su ausencia acrecentó mis ganas de regresar a mi terreta.

«Suelo utilizar siempre colores claros, tanto porque intento plasmar nuestra luz, que bien conocía Sorolla, como porque pienso que puede que haya esperanza para nuestro mar.»

«Para mí es muy importante captar la luz del Mediterráneo porque durante un tiempo no la tuve.»

– ¿Cómo es tu proceso de trabajo y cómo te sientes mientras estás creando?

Mi proceso de trabajo se ve directamente influenciado por las estaciones y es constante y cíclico. Como artista autodidacta, estoy en constante aprendizaje. Me gusta investigar sobre distintos materiales, artistas de otros países, artistas clásicos y sus vidas e influencias, realizar visitas a museos allá donde viajo, y por supuesto, pasear e inspirarme en la naturaleza que me rodea.

La inspiración puede venir en forma de colores en la ropa, en forma de texturas en la comida, en la luz del paisaje. A veces la inspiración también puede venir en forma de historia, ya sea contada o leída. Y por supuesto, la inspiración puede llegar con la música.
En cuanto tengo una idea, o el concepto de una, suelo quedarme días pensándola. También suelo anotarme las ideas que me vienen a la mente en una libreta. Además, fotografío lo que me ha inspirado, para tener a mano un registro de las tonalidades y texturas. Después, hago un boceto de las medidas y composición general del cuadro, aunque me doy permiso para cambiar de parecer. Una vez va tomando forma la idea, es el momento de añadirle a la superficie en cuestión las texturas, esto es lo que más tiempo conlleva, ya que tengo que esperar a que se sequen las distintas capas y elementos. El color siempre es el último paso. Este proceso suele durar mínimo un par de semanas, y para las piezas u obras más grandes, un mes.

Durante el proceso de creación disfruto muchísimo. El mundo queda totalmente en pausa y olvido todo lo demás, realmente es una forma de meditación para mí.

Es un modo de conectar conmigo misma, de regalarme un tiempo para no pensar en nada más que en eso y estar totalmente centrada en algo. Esto, sin duda, es un regalo en nuestra sociedad actual repleta de distracciones. También, por qué no decirlo, es un tiempo en el que conecto con mi familia, ya que a veces se sientan conmigo y me acompañan con su conversación.

Por ello, siento que el arte me mantiene cerca de los míos, no solo de mi tierra. De esta forma, puedo decir que aunque el arte no me hubiese dado nada más, ya me habría dado mucho.

– ¿Qué materiales utilizas y cómo es el lugar donde trabajas?

Para crear mis obras utilizo todo tipo de materiales: arena, tierra, cartón, algodón, telas, yeso, aerosoles… Materiales con los que, dicho sea de paso, experimenté antes de conocer el término “abstracción matérica” y volverme una admiradora de Antoni Tàpies.

Siempre estoy buscando en mi día a día diferentes materiales con los que seguir creando texturas.

Además, me gusta intentar en la medida de lo posible reutilizar materiales en mis obras: emplear parte del cartón de una caja, el corcho sobrante de un paquete, etc. Creo que es mi responsabilidad contaminar lo mínimo y reutilizar al máximo durante el proceso creativo, para ser consecuente con el mensaje de mis obras picto-escultóricas.

En cuanto a mi espacio de creación, soy muy afortunada porque cuento con un estudio con mucha luz natural, de hecho, tiene solo tres paredes y si miro hacia atrás puedo ver los árboles. Si bien esto me hace tener un parón en los meses de más frío, lo aprovecho para investigar e inspirarme, escribiendo todas mis ideas de futuras obras y proyectos en una libreta, para después hacerlas cobrar vida en cuanto comienza la primavera.

«Creo que es mi responsabilidad contaminar lo mínimo y reutilizar al máximo durante el proceso creativo, para ser consecuente con el mensaje de mis obras picto-escultóricas.»

«Soy muy afortunada porque cuento con un estudio con mucha luz natural, de hecho, tiene solo tres paredes y si miro hacia atrás puedo ver los árboles.»

– Pero, aparte de tu trabajo en el estudio, tu iniciativa te ha llevado a presentarte a convocatorias públicas por tu cuenta ¿cómo es esa autogestión? ¿Valoras la posibilidad de que te represente una galería o prefieres seguir sin intermediarios?

Así es, me he presentado y he sido seleccionada en varios concursos de arte, pero también he participado en diversas convocatorias públicas importantes. El año pasado participé en el proceso de selección de la Fundación La Caixa, con la convocatoria de ayudas a la producción de obras de arte. Mi proyecto, llamado Refugio azul: la soledad del último coral, quedó en el aire. Sin embargo, me inspiró para crear algunas de las nuevas piezas en las que estoy trabajando actualmente.
De cada propuesta o idea que presento surge una oportunidad, a veces no en la manera en que esperaba pero siempre hacia adelante.

En cuanto a las galerías, en este momento estoy abierta a estudiar sugerencias de galeristas. Hasta ahora he tratado directamente con mis coleccionistas y algunos marchantes, intermediarios que ofrecen fórmulas innovadoras como Fidelitas, con quienes colaboro.

«en este momento estoy abierta a estudiar sugerencias de galeristas»

– El mayo pasado inauguraste tu primera individual Antes de que llegue el agua hasta el mar en el Espai d ́Art de Puzol ¿qué acogida tuvo la muestra?

Tuvo una acogida muy buena. Conté con la ayuda del gestor cultural del Espai d’Art de Puzol, José María García Robles, y lo cierto es que me sentí muy acompañada por él. Espero un día poder traerle también el proyecto de Refugio azul: la soledad del último coral, del cual no quiero desvelar nada pero sí que pondría en el centro a los pueblos como punto cultural.
La exposición individual Antes de que llegue el agua hasta el mar (la cual contenía una pieza del mismo nombre) era un viaje por los cauces de los ríos, acequias y albuferas hasta llegar hasta el mar. En resumen, sobre el camino del agua: su proceso de mineralización y sedimentación en las albuferas y las consecuencias de su ausencia o alteración (por la contaminación de nuestros mares y arrecifes de coral).
Antes de que llegue el agua hasta el mar creo que tuvo tanto éxito porque mostraba también la necesidad actual de reconectar con la naturaleza.

– ¿Quiénes son tus artistas de referencia?

Hay muchos artistas a los que admiro como Antoni Tàpies, Anselm Kiefer o Cristina Iglesias. Pero también descubrí el verano pasado en Viena a un pintor llamado Franz Granmyr que me gustó muchísimo. Otro artista que me fascina por su uso del color y el efecto 3D de sus obras es Zhuang Hong-yi. Y por supuesto, aunque no sea arte abstracto, siempre me gustarán Sorolla y Monet.

Creo que todos ellos me influencian e inspiran a no solo captar la luz del mediterráneo con mis obras, sino también sus texturas.

Hablando de inspiración y de mis artistas de referencia, recuerdo con mucho cariño como hace dos veranos mi marido y yo (por aquel entonces llevábamos dos días prometidos) fuimos de viaje por el norte de Francia y pasamos el día en Giverny, el pueblo de Claude Monet.

Recorrimos todas las calles empedradas y serpenteantes de aquel pequeño pueblo. Vimos sus encantadores escaparates, galerías de arte llenas de acuarelas y sus cafeterías con gatos estirados al sol.

Finalmente, llegamos a la casa del pintor, que estaba pasando el museo de impresionismo del pueblo. Me quedé sin palabras. Entendí en ese instante por qué pintaba como pintaba.

Los jardines y el estanque de la casa con sus nenúfares me encantaron, evocaban en mí exactamente la misma sensación en persona que verlos a través de sus obras.

Me entró añoranza y nostalgia por unos jardines y una casa en los que nunca viví. La casa era una verdadera joya, especialmente la cocina con sus azulejos blancos y azules y sus cazos de cobre. El comedor parecía un rayo de sol, con la mesa de madera desgastada y los girasoles amarillos. Fue una excursión que me inspiró muchísimo para varias de mis obras y me marcó profundamente por los colores y la sensación de paz que allí había.

«Creo que todos ellos me influencian e inspiran a no solo captar la luz del mediterráneo con mis obras, sino también sus texturas.»

«Fue una excursión que me inspiró muchísimo para varias de mis obras y me marcó profundamente por los colores y la sensación de paz que allí había.»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

En un futuro próximo me gustaría mucho participar en proyectos expositivos de carácter colectivo con comisariado. Me atrae la posibilidad de desarrollar mis creaciones con el acompañamiento de otros artistas y bajo una premisa curatorial. Son experiencias que espero explorar en esta fase emergente de mi carrera y, aunque me llegan propuestas, aún no ha llegado una con la que conecte. Supongo que es cuestión de tiempo y que la visibilidad que voy obteniendo terminará por hacer que surjan ese tipo de sinergias, me siento optimista al respecto. Lo importante es seguir avanzando, disfrutando de los procesos.

«me gustaría mucho participar en proyectos expositivos de carácter colectivo con comisariado»

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